domingo, 24 de abril de 2016

GATCPAC y casa Bloc

GATCPAC son las iniciales de Grupo de Arquitectos y Técnicos Catalanes por el Progreso de la Arquitectura Contemporánea. Surgió en la Segunda República Española, hacia los años 30. Surgió a raíz de una revista llamada AC, o actividades contemporaneas, que iba ligada a la reunión que tuvo lugar en Zaragoza donde se planteó la creación de un grupo para representar en el CIRPAC. Su objetivo es promover una arquitectura vanguardista y racionalista. Los principales miembros eran Josep Lluís Sert, Josep Torres i Clavé, Joan Baptista Subirana. Todos con unas vidas dedicadas a la arquitectura, pero quebradas por la guerra civil. Clavé murió en ella con 30 años. Sert tuvo que emigrar a París y luego a Nueva York, ya que en España le sentenciaron y el quería seguir con su oficio. 

Los tres juntos trabajaron en el proyecto de la casa Bloc, en Sant Andreu. El proyecto se basaba en la construccion de diversos edificios que juntos forman una S. Su objetivo principal a parte de la racionalizacion, era la funcionalidad. Eran viviendas destinadas a obreros, que durante mucho tiempo vivieron en chabolas o barracones. Era un cambio drastico ya que ahora la clase obrera también tendría una vivienda digna, que asta ahora era impensable. Con la Guerra se bajo el ritmo de construcción ya que la estructura de los edificios eran del mismo material que el de las armas.

También cabe decir que estos arquitectos se fijaron mucho en Le Corbusier. En los bloques de la casa bloc podemos ver que se deja de lado la decoración, y notamos la sencillez de la construcción y como he dicho antes la funcionalidad. Como nos explicaron, los bloques se hicieron, a parte de para acoger a los obreros y sus famílias, para que se creara un vínculo vecinal, en el que el mismo edificio te permitiera o te "obligue" a tene una relación con los vecinos. Unos ejemplos claros son: las zonas donde podias estar resguardado y que hacia de recibidor, donde si te encontrabas con alguien podías saludar y hablar tranquilamente ya que eran lugares espaciosos; otro elemento clave para la buena relación eran los pequeños balcones, que no dejaban de ser un saliente del suelo que se desplazo para esa finalidad, donde podias colocar una mesa y tomar algo, o simplemente te permitia salir y estar un rato tomando el aire. Otro elemento de funcionalidad fue que los apartamentos eran de dos pisos. Esto permitia, a parte de tener mas espacio, que el ascensor no tenia que hacer seis paradas, si no tres, ya que el edificio era de seis plantas, pero las entradas eran en los pisos uno, tres y cinco. 


domingo, 3 de abril de 2016

Marcel Breuer

Nacido en Hungría en 1902, Breuer quería, como estudiante, aprender la disciplina de la escultura. Aun así, sus intereses también iban encaminados por el taller de madera. Al acabar sus estudios, se convierte en profesor dados sus dotes con la madera.

El diseño de la silla de listones, fue una de las piezas claves e insignia para catapultar a la Bauhaus a la fama. Se tomo a esta silla no como una pieza funcional, si no a una escultura. Breuer no dio su brazo a torcer intentando convencer a la gente que era una silla, objeto para sentarse, y no una escultura.

Ya en 1925, en Dessau, el talento de Breuer empieza a llamar la atención de muchos artistas, que a la vez le encargan mobiliario para sus propias casas. Entre ellos están Kandinski, Muche, y el celebre Moholy-Nagy. Pero lo que de verdad llevo al súmmun del diseño fue la silla tubular Wassily. Dicen que para el diseño de esta silla, se inspiro en el manillar de su bicicleta. La silla se formava al unir respaldo y los traveseros. La idea era que la silla, o mejor dicho el que se siente en ella, quede suspendido en el aire. Con los años fue perfeccionando la técnica de ensamblaje y combinación de tubos para así hacer piezas mas ligeras. Pero surgió el problema de que Breuer quería que su diseño fuera totalmente ajeno a la Bauhaus, ya que era su idea y su diseño.

Mas tarde se iría de la Bauhaus, en 1928. Se fue, junto a Gropius, a Estados Unidos, a ejercer de profesor en Hardvard. Es considerado uno de los mejores diseñadores de muebles y arquitecto. Se dice que su trayectoria, despues de la de Rohe, fue una de las mas ilustres de Norte America.

En 1981 llega el fin de sus dias, y se acaba una vida dedicada al diseño y la arquitectura, y dejandonos en su legado, obras como Whitney Museum of American Art de Nueva York, o también algo que nos dio y que hoy en dia es un reto, la suspensión en el aire aplicado al mobiliario.

Eileen Gray

Eileen Gray, diseñadora y arquitecta irlandesa, amante del lacado, fue una de las primeras mujeres reconocidas en el mundo del diseño y la arquitectura. Nació en el 1878 y murió casi un siglo depués, en el 1976.

Eileen nació en un período en el cual se necesitarian muchos pensadores y mucha gente capaz de crear movimientos capaces de hacer olvidar o dejar en segundo plano catástrofes como la Primera Guerra Mundial y en su caso la Segunda incluida. Estudio el arte del lacado, y realizo sus estudios en Londres. Tuvo influencias de Mackintosh, de las Arts and Crafts, y l'Art Nouveau. Pero los que mas importancia tuvieron fueron Deco y movimiento modernos europeos. Muchos de sus trabajos y obras fueron otorgados a hombres que, sin duda alguna, se aprovecharon de ella. Tuvo muchos romances los cuales no salieron realmente bien, y por los que perdio parte de su fama ya que ellos se llevaban la "gloria" de sus obras. A la mujer no se le daba la importancia que tendrían que haber dado.

Eileen pudo viajar a Africa y America, de donde extrajo muchas ideas para su trabajo. En 1922 abre una tienda, la galería Jéan Désert, donde muestra sus alfombras, que muchas de ellas saco de su viaje a Africa con las lanas marroquíes, y también su mobiliario.

Pero sin duda, una de las obras mas representativas de la artista irlandesa, fue su casa de verano en Francia. En aquella época se empezó a trabajar las estructurasde las viviendas de forma que la planta quedara totalmente libre, con la técnica de los pilotis, de la cual Le Corbusier fue creador. Lo que Greey quería conseguir era que la casa interactuara con el paisaje que le rodeaba. Y parece que así fue. Podría decirse que la casa parece un barco atracado, blanco, con barandillas metalicas y sinuosas y un escaso mobiliario. El mobiliario formaba parte de la misma arquitectura, dejando que toda fluyera al unisono. Las ventanas llegaban desde el suelo asta el techo, y eran móviles. La casa era totalmente abierta, con una buena iluminación natural, que Eileen había estado estudiando antes. A pesar de que muchos de los conceptos de Le Corbusier los plasmo en la arquitectura, ella no veía a la casa como una máquina para vivir. Parece que por algun motivo la relación con Le Corbusier no era tan buena, y, con la ausécia de Greey en la casa entre 1937-1939, el artista y arquitecto pintó unos murales despectivos, lo que para Greey fue un ataque al caracter de la vivienda.



 

sábado, 26 de marzo de 2016

La línea art Deco

Ultima de una serie de estilos creativos. El Art Nouveau, que surgió de Arts and Crafts por su política de una decoración de interiores mas libre y original, surgió en Bruselas, como un estilo definitivo y creativo. Tuvo diferentes nombres por toda Europa como Jugendstil, Liberty, il stile floreale, Modernismo. Duró solo una década. Era llamado estilo de interiores, caracterizados por sus habitaciones decoradas con adornos sinuosos, como sacados de la naturaleza, por su coherencia estilística entre muebles, telas y alfombras. 

 Mas tarde en 1909 llego a oídos del público el Art Deco, aunque su orígen fuera anterior. Su llegada la propicio la de los ballets rusos. Decoraciones y vestuarios exóticos y llamativos, turbantes con plumas, medias de seda de colores, junto con otras modas orientales, se introdujeron por famosos costureros. Y como tantas otras veces, ocurrío que el vestuario influyó en la decoración. Cada vez la ropa era mas suelta y libre, lo cual produjo que la gente se sentara mas relajada y adoptara otras posturas, como la forma oriental de sentarse en cojínes blandos. Nace el Art Deco.

Tras la primera guerra mundial, el Art deco prospera y se convierte en el estilo predominante en París. Ya en 1925, en Francia almenos, se daba por hecho que toda decoración de interiores podia ser nueva y no hacía falta mirar al pasado y buscar interiores de eopca. Quedaban sentenciados. Pero el confort y el agrado era evidente que persistían. Buena artesanía, ornamentacion ( aunque esta fuera geométrica y no figurativa ). Aún se veían candelabros, frisos, o paneles ornamentados, eso si, reelaborados con una estética diferente. Pero se seguían viendo esos objetos que, recordemos, vienen de épocas anteriores, no era nada nuevo. 

Pasada y olvidada la guerra, la prosperidad de postguerra estaba en la cima y se pensó que el estilo adequado para esta situación era el moderno-jazz. Pero, como pasa siempre, lo nuevo da miedo, y el modernismo se salía de contexto. El gusto por este tenía sus límites. Tachado de frío, aburrido y depresivo. El pabellón soviético había levantado ampollas, y parecía mas que sentenciado. También fue bombardeado con críticas el local Espíritu Nuevo. Su definición fue: un almacen frigorífico cúbico. 

Despues de esto aparece un personaje, que ya era conocido, llamado Le Corbusier. Su defensa al pabellón soviético? Los organizadores del evento se habían propuesto sabotear su pabellón. La realidad era que a la gente no le gustaba el Espíritu Nuevo. 

El Espíritu Nuevo consistía en el rechazo de la decoración, por lo que lleva al rechazo de la ornaamentación, por lo cual se rechazaba Arts and Crafts, incluida Secesión, y se evitaba la decoración abstracta del Art Deco. En esta transición ocurrieron tantas cosas que, se pasó de tener unaa casa totalmente amueblada, al pensamiento de Le Corbusier de que los interiores estubieran desnudos. Para el público no era un estilo, si no una casa inacabada, una decoración insignificante e improvisada, como los tubos y muebles de restaurante. 

Sus esfuerzos eran totalmente volcados en que se entendiera que la casa podía ser un lugar eficiente y dejar de lado la anticuada decoración. El diseño doméstico estadounidense hacía años que eficiente. Tanto Richards como Le Corbusier tenían pensamientos parecidos pero, a la vez su definición muy diferente. Richards insistió en que la casa debía ser como una prenda de vestir. Mas directo fue cuando, con dijo, no con estas palabras, que si una mujer media X, la encimera tenía que estar a X altura para que esta estubiera comoda. Comodidad. El pensamiento industrial, de fabricación en masa, de Le Corbusier era totalmente opuesto al de las "normas". La gente se acostumbra  a la casa, y no la casa a la gente. Así se producía mas. En masa. Para el las necesidades humanas eran universales y podían uniformarse. ¡Recordemos que en Oriente la altura media esta por debajo de la Occidental, por lo tanto sus necesidades y las nuestras són diferentes!. 

Le Corbusier no dejaba de ser un arquitecto que buscaba la guerra de estilos. El no estaba equivocado si no sus pensamientos, ya que la manera de pensar estaba empezando a cambiar. La comodida ganaba terreno, y el concepto de modernidad ya no era el mismo.

jueves, 25 de febrero de 2016

Cambios de movimiento

La propuesta de dar nuestra opinión sobre que es lo que ocurre cuando hay un cambio de movimiento me parece algo interesante. En mi caso lo haré comentando el Modernismo.

Contra el Modernismo se opuso la iglesia, se opusieron los seguidores de la iglesia, se opusieron algunos extranjeros, muchos conservadores... En general se oponian los de "la vieja escuela". El cambio siempre o casi siempre incita a la gente a quejarse, a no gustarle lo nuevo, esceptuando aquellos que intentar innovar. El Modernismo fue una época en la cual los artistas podían sacar todo su ingenio y su creatividad para crear, lo que ahora llamamos, patrimonios de la humanidad. Patrimonios que en su día fue questionado, estuvo escondido, y que ahora, gràcias a los cambios de mentalidad en la sociedad, podemos contemplar con entusiasmo. muchas obras no tubierno esa suerte y, por desgracia, fueron destruidas por que a unos cuantos no les gustaba. Era tocar y hundir, señalaban con el dedo y ese edificio se iba a bajo. No obstante, algunos aguantaron. En Cataluña tenemos la Pedrera, tenemoa la Sagrada Família, tenemos el Palau de la Música... Actualmente miles de extranjeros visitan diariamente estos monumentos. En su día eran macabras, eran horribles. 

Puede entenderse el porque de esa situación, y es que cuando algo es diferente y resalta sobre lo demas, hay que erradicarlo. No les interesaba que unos cuantos se "revelasen" contra lo monotono. Se salían de la regla. Eran transgresores. Y eso, gustaba poco. 

Creo que la mentalidad de antes era muy diferente, y puede que a muchos no les gustara, pero la forma de tratar la obra de alguien no era la adequada, pues la libre expresión es válida en muchos sitios y no hay que juzgar tan a la ligera, como hicieron en su dia, algo que al cabo de los años es considerado una de las mayores obras de arte como puede ser la Sagrada Família, o la Pedrera, entre otros.

martes, 12 de enero de 2016

Fundación Ramón Pla Armengol

La casa de Núria Pla Armengol, ahora utilizada como colección de muebles dispuestos entre la Edad Media y el siglo XVIII. Hicimos una visita muy agradable, en la cual una guía nos explico diferentes muebles. Una explicación muy bien hecha e interesante. 

Los muebles que vimos eran como joias para nosotros. Muebles antiguos, bien cuidados, que tenian que mimarlos para no causar estragos en ellos. La delicadeza que transmitian no puede compararse con los mueblesa actuales, que parecen fríos y carecen de sentimientos. Ya solo el olor de aquellos muebles nos decían que eran antiguos y delicados.

Me sorprendio que una futura guía se sentara en un archibanco que había en la entrada. Como hemos discutido en clase, un mueble tan antiguo a mi parecer debemos tenerle un respeto inmenso. Otros piensan que un mueble está para utilizarlo y darle más valor así. Yo creo que en su día ya tuvo su utilidad y ahora tenemos que mantenerlos para poder disfrutarlos muchos mas años. 

Dejando de lado la moralidad de cada uno, los muebles me parecieron magníficos. Cada uno tenía su historia, no hay que decir que tenían su propio estilo, pero todos eran diferentes. Un mueble podía ser parecido, del mismo estilo, pero al estar hecho a mano, todas las piezas eran distintas. De ahi el sentimiento que ponía su autor y la originalidad de cada uno. Un mueble que me gusto mucho fue el de marfil con ilustraciones grabadas y tintados encima. Era para un senescal.



Otra de las piezas que me gusto, y es muy diferente a la anterior, era un escritorio rococo. Color azul clarito, con detalles en dorado, bastante desgastado, pero que no perdía su encanto.




Podría decirse que todas las piezas eran interesantes pero puestos a elegir me quedaría con estas dos.

domingo, 13 de diciembre de 2015

Las curvas de Thonet y la elegáncia isabelina.

Dos estilos que vivieron en la misma época pero en diferentes lugares. 

En España no se evolucionó tanto como en otros lugares de Europa teniendo en cuenta que sus muebles eran mas rígidos, mas pesados, menos estructurales. Era un estilo antiguo, parecido al renacentista, pero que no acababa de ser una buena imitación, por la falta de modelos. Se trabajava mucho con elementos de nacar, y coronando la mayoria de veces con flores. El estilo se veía mas como Xorigueresc mas que renacentist.
Por lo que hace la ebanistería, se define como senzilla, poca utilización de las incrustaciones, aparece la talla pero no se utiliza en abuso, los pies son recargolados, se utilizan ornamentas como flores, medallones, garlandes, etc., y la decoración es naturalista. 

Una de las características principales de la segunda mitad de siglo es la cópia de estilos pasados. El mueble en si se adaptará a la clientela, tanto en estructura como en decoración. 

Hay una mezcla de estilos abusando del eclecticismo. Los estilos Luís XIV, XV y VXI franceses se combinarán con el gótico, el renacimiento y el barroco hispánico. El mobiliraio se caracteriza por la ornamentación exagerada y un movimiento forzado (movimiento que consigue Thonet, nada forzado).

La moda que seguía a estos estilos era el oscurecer el mobilierio, tanto tiniendolo de negro como utilizando madera ya oscura, como el palisandro. Hay numerosos ejemplos de mobiliario de palisandro, combinado con una madera también con un tono oscuro como es la caoba. Otras maderas de calidad muy utlilizadas eran el ébano y el palo rosa. El palo rosa, madera exclusivamente ornamental, se utiliza para pequeñas marqueterías, detalladas. No sirve para grandes chapados. Se encuentra en muebles de primera calidad. 

La evolución en la maquinaria, bastante aavanzada para el momento en el que estaban, favorecia el perfeccionamiento y el desenvolupamiento de las marqueterias. Otra manera de decorar muebles era el tapizado, el nuevo sistema de dar vida y belleza a los asientos, dejando de lado cualquier ornamenta que queda en segundo plano. Como la mayoría de cosas en la época, esta técnica viene de Francia, orígen de muchos avances. 

Los principales consumidores de las obras son empresarios industriales, para hacer un poco de propaganda, ayudar a la educación y renovación de las artes industriales.

 A finales de los sesenta, se empieza a notar un cambio de modelos. Se ira dejando de lado el trabajado Luís XV, dando paso a lineas rectas y elementos mas estaticos, formas neobarrocas, neoarabes, neorenacentistas, y neogoticas. Se empiezan a utilizar las patas cabriolé, las estructuras onduladas, la madera de palisandro, y la marqueteria.

Se empieza a ver el maqueado. Los muebles construidos con papel maché o imitaciones, tienen estructuras generalmente finas y delicadas. 

Por otra parte, Thonet vive inmerso en el combulso periodo de la Revolución Industrial, que llega antes a Europa que a EU. Otra explicación para explicar que fuese el primero en desenvolupar la técnica de la curvatura industrial de la madera era que trabajase en un taller de ebanistería siguiendo la pauta del Biedermeier. Recerca de la comodidad y la funcionalidad. 

Los interesados en este tipo de piezas parece ser que era gente de la alta sociedad, como el ejemplo que nos ponen de el canciller del imperio austrohungaro, el príncipe Klemens Van Metterncih, interesado en los muebles y en especial, la técnica de elaboración. 

Thonet en aquella época, una de las faenas que tuvo fue restaurar y renovar el mobiliario del palacio Liechtenstein. La técnica que uitlizada para curvar los muebles era la de utilizar vapor de agua, como decia la patente: "para la construcción de sillas y pies de mesa de madera curvada ejecutando la curvatura por efecto del vapor de agua o líquidos en ebullición."

Cuando la patente desaparece, esto permite a otros trabajadores del sector empiezen a dedicarse a negocios de curvatura de madera, motivo por el cual aparecen mejoras en los muebles y se estimula la producción. 

La única diferéncia, hay muchas pero digo única por que engloba todo, es que fuera de España se quiso evolucionar, quisieron arriesgar y hacer algo nuevo. Lo nuevo nos da miedo a muchos, pero sin esas cosas nuevas, no se avanza. Aquí lo que pasó es que, a raíz de un estilo, se quiso mejorar intentando asi crear uno de nuevo. Como si fuese una pauta. Thonet introdujo la curva, la sinuosidad, el movimiento, sin dejar de ser elegante, y creó escuela, por que mucha gente lo siguió.